Hausu

Podéis ver en mi canal de YouTube mi crítica de Hausu, de Nobuhiko Obayashi.

Lecturas y visionados de Febrero de 2017

LOS CÓMICS QUE HE LEÍDO

orange (Ichigo Takano)

Antes de escribir mis impresiones sobre este manga, he de decir que no suelo leer shôjo. No porque sea un género que no me gusta, ya que pienso que es un error decir "me gusta el manga" y luego cerrarse a ciertos géneros, sino porque a diferencia del shônen y del seinen muy pocos shôjo logran hacer que me interese por ellos. No fue el caso de orange, un shôjo cuya premisa argumental, la cual mezcla la típica historia de romance en el instituto con viajes en el tiempo, me llamó bastante la atención. Además, tampoco es un shôjo muy largo, sólo consta de cinco tomos, y eso es un plus a la hora de adentrarme en los terrenos de un género de manga con el que no estoy muy familiarizado todavía.

En general la lectura de orange me resultó amena. A lo largo de la historia me encontré varios tópicos por los que se caracteriza el shôjo manga, y cuando comencé a tener la sensación de que dichos tópicos se me estaban atragantando (ya dije unas líneas más arriba que aún no estoy muy familiarizado con este género) tan sólo me quedaba un tomo para finalizar la serie, por lo que su extensión de cinco tomos me pareció de lo más oportuna. orange termina donde debe terminar, su duración es la apropiada y la historia no se va por las ramas, y lo que más me gustó de esta serie, temática de viajes en el tiempo y realidades paralelas aparte, es cómo aborda un sentimiento bastante común en los seres humanos: el arrepentimiento. Y es que muchos de nosotros solemos pensar qué sería de nuestras vidas de haber actuado de forma diferente en el pasado. ¿Tendríamos una vida mejor, peor o simplemente diferente?

orange es una de esas obras que no me han encantado pero tampoco me han aburrido lo más mínimo. Me ha parecido un manga de lo más correcto y estoy seguro de que a los amantes del shôjo les encantará.

Green Blood (Masasumi Kakizaki)

Hay un dicho que dice que los mejores westerns son los que no se han hecho en América. Películas como El bueno, el feo y el malo (Il buono, il brutto, il cattivo) o cómics como Blueberry refuerzan esta afirmación, pero no es del todo cierta si uno tiene en cuenta películas como Sin perdón (Unforgiven), de Clint Eastwood, o Grupo salvaje (The Wild Bunch) de Sam Peckinpah, así como los grandes clásicos del western estadounidense, tanto en cómic como en cine, de los que bebían directamente los artistas europeos. He de confesar que cuando la editorial Milky Way anunció la licencia de Green Blood este manga no me llamó especialmente la atención. Recuerdo que le dije a un colega: "¿un japonés haciendo un western? ¡Es como si un americano hiciera un cómic de samuráis!" Pero si me paro a pensarlo, eso es una chorrada, puesto que Blueberry es un cómic francés y los spaguetti westerns son un subgénero cinematográfico de origen italiano, y el western no es que sea algo tan francés como el champán ni tan italiano como la pasta. Además, hay grandes cómics de samuráis hechos en territorio estadounidense, como Usagi Yojimbo, de Stan Sakai, o Ronin, de Frank Miller, entre otros. En definitiva, en lo que a géneros se refiere, la nacionalidad importa un bledo.

Después de esta introducción sobre la impresión inicial que tuve al enterarme de la existencia de Green Blood, he de decir que la obra me ha encantado. Green Blood está compuesta por cinco tomos, por lo que estamos ante una serie corta, aunque al terminar de leerla tuve la sensación de que había durado un poco más, ya que tardé en leer cada tomo más de lo que suelo tardar en leer un tomo manga. Y no porque hubiese mucho texto, como sucedía en Bakuman, sino por el dibujo. Es impresionante, con un nivel de detalle soberbio. Creo que, con permiso de Vagabond y Berserk, no he visto un manga con un dibujo tan sumamente detallado en mi vida. En manos de otro artista habría tardado mucho menos en leer este manga, pero es que el dibujo de Kakizaki es, repito, tan sumamente detallado que uno puede tirarse varios minutos observando simplemente las sombras de los ojos de un personaje o la textura del cañón de una pistola. Por muchos es sabido que el dibujo de Kakizaki es prácticamente perfecto. Los personajes tienen unos rasgos faciales típicos del dibujo japonés convencional en vez de unos rasgos realistas, pero esto es porque el autor quiere que sus personajes luzcan así. Como en otras obras de Kakizaki, los personajes están dibujados de tal modo que de un primer vistazo sabemos quién es bueno y quién no lo es.

En cuanto a la historia, al principio recuerda poderosamente a la película de Martin Scorsese Gangs of New York, ya que durante la primera mitad del manga esta está ambientada en el Nueva York de los años 60 del siglo XIX; pero luego, durante la segunda mitad, el dúo protagonista abandona esta gran ciudad para emprender una aventura hacia el oeste americano con el fin de consumar una venganza. Es a partir de aquí cuando Green Blood deja de ser una especie de versión manga de Gangs of New York para pasar a ser un western crepuscular con todas las de la ley. Al igual que en los westerns crepusculares, en Green Blood Kakizaki no se corta un pelo a la hora de mostrarnos con toda la crudeza del mundo cómo era la vida en los Estados Unidos del siglo XIX, tanto en la gran ciudad como en el campo, y así de paso echar tierra sobre grandes mentiras como la del sueño americano, Estados Unidos tierra de la libertad, etc.

Como decía al principio de esta reseña, tenía mis dudas sobre Green Blood porque era la primera vez que me topaba con un manga sobre el viejo oeste; pero Kakizaki demuestra sobradamente en esta obra ser un gran fanático del western, introduciendo en ella muchos de los tópicos del género, como el pistolero marcado por un oscuro pasado que busca venganza, el joven al que la vida le lleva a empuñar un revólver y resulta tener una habilidad insólita usándolo, los valientes guerreros indios que reclaman sus tierras, el tema de los negros y la esclavitud, etc. A pesar de todos estos tópicos inherentes al género, la obra no me resultó previsible como Bestiarius, otro título de Kakizaki con un dibujo soberbio pero que se me atragantó debido a su historia sumamente previsible.

Como decía, al terminar de leer Green Blood tuve la sensación de que había leído una serie de más de cinco tomos, y es una sensación bastante grata, ya que el manga me estaba encantando tanto que me dio lástima que durara tan poco. El final podríamos decir que es como Hokuto no Ken pero con pistolas. En el asistimos al enfrentamiento final entre el protagonista y el villano de quien se quiere vengar. He de decir que este villano me encantó; es como una mezcla entre Raoh de Hokuto no Ken y Barbanegra de One Piece, y al igual que este último personaje, también tiene su banda compuesta por auténticos indeseables, cada uno de ellos especializado en el uso de un arma determinada.

Green Blood es un manga notable, sobre todo a nivel visual. Os lo recomiendo independientemente de si sois o no sois fans de los westerns. Ya sólo por el dibujo es una obra de arte.

LAS PELÍCULAS QUE HE VISTO

Flores de equinoccio (Higanbana, Yasujiro Ozu, 1958)

Todas las películas de Yasujiro Ozu, director de insólita sensibilidad, son una maravilla. También me resulta difícil hablar de ellas de buenas a primeras, ya que son de esas películas que veo y me transmiten una serie de sensaciones positivas que me alegran el alma, pero me cuesta explicar con certera exactitud por qué me alegran tanto. Esa es la magia de Ozu. Además, a simple vista puede parecer que todas sus películas son muy parecidas y que apenas hay diferencias entre ellas, por lo que estas ganan notablemente a la hora de ser revisadas, ya que es en los revisionados cuando el espectador ve más allá de lo que Ozu muestra de forma sutil en pantalla, apreciando así con mayor claridad las diferencias entre las películas de su más que notable filmografía. Y es que Ozu era un director que, manteniéndose siempre fiel a su estilo único y particular, dominaba la sutileza como nadie.

Al igual que otras obras maestras de Ozu, Flores de equinoccio es costumbrismo japonés en estado puro. La familia y las relaciones entre padres e hijos también se dan cita en este film. El protagonista es un hombre de negocios, aparentemente progresista en sus ideales y muy bueno a la hora de dar consejos sobre el amor y la familia a los demás; sin embargo, esos consejos no se los aplica a sí mismo cuando ha de afrontar la decisión de su hija de casarse sin su consentimiento. Estamos, pues, ante una obra de Ozu en la que este director aborda el choque entre la generación de preguerra y la de posguerra, así como el modo en el que las nuevas ideas occidentales trataban de imponerse sobre las antiguas tradiciones en un país tan anclado en lo tradicional como Japón. Lo más destacable y curioso de esta película tan bonita es que el choque intergeneracional se produce sin ningún tipo de violencia verbal o física, sino de forma educada, y el progreso se implanta en Japón de la forma más pacífica y sutil posible, sin escándalos o revueltas de por medio.

Flores de equinoccio me alegró la tarde y su visionado se me hizo muy ameno a pesar de que no contara nada del otro mundo, y es que pocos maestros como Ozu podían hacer del día a día y de lo sencillo algo tan sumamente bello y agradable de ver.

Vengadores: La era de Ultrón (Avengers: Age of Ultron, Joss Whedon, 2015)

Los blockbusters actuales no son lo mío. La inmensa mayoría me comienzan a aburrir a partir de la primera media hora de película apróximadamente. Algunos antes, incluso. Me interesan otras propuestas cinematográficas. Entonces, si los blockbusters actuales no son lo mío, ¿qué es lo que me llevó a ver la segunda parte de los Vengadores? Dos motivos. En primer lugar, Los vengadores me gustó bastante y la vi unas tres o cuatro veces, así que, ya puestos, decidí darle una oportunidad a esta segunda entrega, a pesar de que mis expectativas no eran muy altas tras haber visto las anteriores películas de la fase dos de Marvel Studios. En segundo lugar, y este es el principal motivo, algún día tenía que terminar dicha fase dos, así que aprovechando que ya hacía tiempo que había desaparecido la incómoda presión que ejercía el hype que se creó en torno a esta película, decidí verla cómodamente, a mi aire, siendo consciente de que la veía porque me apetecía realmente y no por la presión del hype.

Comencé a ver Vengadores: La era de Ultrón simplemente para desconectar y relajarme ante la pantalla, tampoco le iba a pedir peras al olmo, y así fue durante la primera hora de película. A partir de ahí, cada minuto de película se me hacía más pesado, y durante la media hora final tuve que hacer varias pausas para poder terminarla. Creo que el principal fallo de esta segunda entrega es que va demasiado al grano. Los acontecimientos suceden tan rápido que al espectador no le da tiempo a digerirlos, y en más de un momento tuve la sensación de que se saltaban escenas relevantes dentro de la historia. La película intenta involucrar al espectador en la trama pero no lo consigue. Hay muchos momentos cómicos, románticos y dramáticos metidos con calzador prácticamente de forma aleatoria, y todo para agradar al mayor número de espectadores posible. Lo peor es que los chistes son simplones y las escenas dramáticas son muy tópicas y no conmueven en absoluto.

En cuanto a las escenas de acción, hay algunas que molan, como la de Hulk contra Iron Man en la armardura Hulkbuster, pero no hay contexto, por lo que uno no se siente involucrado cuando las está viendo. Otro problema de las escenas de acción es el típico de muchos blockbusters actuales: a uno le cuesta seguirlas. El montaje en este tipo de escenas es tan frenético, incoherente y, en definitiva, chapucero que es prácticamente imposible enterarse de lo que está sucediendo en pantalla. Al final, viendo Vengadores: La era de Ultrón me sentía como si estuviera viendo un trailer de más de dos horas. Durante la primera hora de película aguanté su visionado sin contratiempos. Como decía, comencé a verla para relajarme simplemente; pero a partir de la primera hora de metraje dicha sensación de estar viendo un trailer muy largo se me acabó haciendo cada vez más pesada y acabé saturado.

Vengadores: La era de Ultrón es un batiburrillo fílmico. Y de los grandes. Me gustaría ser más benevolente y decir que para relajarse frente a la pantalla sin más está bien, pero entonces estaría mintiendo, ya que sólo fue así durante la primera hora. Como suelo decir, vista la primera película de Los vengadores, vistas todas las de Marvel. Dudo muchísimo que vea la fase tres. Mi interéres es ya prácticamente nulo.

LAS SERIES QUE HE VISTO

Midnight Diner: Tokyo Stories (Shin'ya shokudou: Tokyo Stories, Joji Matsuoka, Nobuhiro Yamashita, 2016)

Una auténtica delicia de dorama japonés, y una de esas series que estaban en Netflix pero de las que no sabía absolutamente nada hasta que mi amiga Katrana Belmont me la recomendó a sabiendas de que me iba a gustar mucho, como finalmente sucedió (en el canal de YouTube de Katrana podéis ver su TOP de las mejores series de 2016, entre las que se encuentra este dorama. Podéis acceder  a dicho TOP pinchando aquí).

Midnight Diner: Tokyo Stories está formada por episodios autoconclusivos que tienen un nexo en común: un izakaya (típico bar japonés) regentado por un tipo con una extraña cicatriz en el ojo izquierdo. A este izakaya acude gente de lo más peculiar, y cada uno de los capítulos está protagonizado por distintos clientes de este establecimiento tan curioso. La estructura en todos los capítulos es prácticamente la misma: se presentan en dicho izakaya uno o varios clientes que tienen algún problema, a lo largo del capítulo lo van solucionando mientras el dueño del local se limita a observarlo todo como si fuera una especie de presencia divina, y al final se soluciona el problema, aunque a veces al dueño no le importa hacer de psicólogo y dar algún consejo. Como coletilla final, cada capítulo termina con los clientes que lo han protagonizado dando felizmente las buenas noches, no sin antes ofrecer trucos culinarios para mejorar el sabor del plato que han estado consumiendo a lo largo del episodio. Al contrario de lo que pueda parecer, en esta serie la comida no juega un papel esencial como sí sucede en otras obras, como por ejemplo en el manga Oishinbo à la Carte, donde la comida es el elemento central.

Midnight Diner: Tokyo Stories es una serie perfecta para ver después de cenar, antes de irse a la cama a dormir. Viéndola me sentía como si estuviera en el interior de ese izakaya, un izakaya pequeño pero con un ambiente tan sumamente acogedor que logra traspasar la pantalla y envolver con su calidez al espectador.

Rick and Morty - Temporada 2

Recuerdo que el primer capítulo de Rick and Morty me pareció horroroso. El segundo ya me pareció un poco mejor, y el tercero mejor que el segundo. Al final, me vi la primera temporada entera, y he de decir que pocas veces me alegro tanto de haber continuado viendo una serie a pesar de que sus primeros capítulos no me gustaran. Rick and Morty terminó convirtiéndose en una de las mejores series de dibujos para adultos que había visto, por lo que tenía muchas ganas de ver la siguiente temporada.

Como era de esperar, esta segunda temporada también me ha encantado y me ha hecho reír de lo lindo. De hecho, me ha gustado más que la primera, ya que en ella ningún capítulo me pareció flojo. En la segunda temporada de Rick and Morty también nos encontramos los chistes referenciales a producciones de ciencia ficción y terror por los que se caracterizó la temporada previa; chistes que sirven como punto de partida para abordar temas de diversa índole, como el existencialismo, las creencias religiosas, el modo en que los gobiernos reaccionan ante una amenaza desconocida, las relaciones amorosas, la moral... Rick and Morty triunfa de lo lindo mezclando humor inteligente con humor negro y escatológico, lo cual demuestra que en las manos apropiadas estos dos tipos de humor tan diferentes entre sí no se repelen. Rick and Morty es una auténtica maravilla. Con ganas de ver la tercera temporada, la cual, por lo visto, está a la vuelta de la esquina.

Kaiba (Masaaki Yuasa, 2008)

Kaiba es un anime que me habían descrito como una especie de mezcla entre Osamu Tezuka y droga pura, y como una de esas series que o las adoras, o las odias. Teniendo en cuenta que se trata de un anime a cargo de Masaaki Yuasa, director de auténticas rarezas dentro de la animación japonesa como Mindgame, Kemonozume, The Tatami Galaxy y Ping Pong, ya queda claro que estamos ante un anime atípico tanto a nivel visual como argumental.

La historia está ambientada en un futuro lejano, y, como futuro lejano que es, el contexto en el que se desarrolla la trama nos hace sentirnos tan desubicados como el protagonista, un joven que se encuentra en estado amnésico en medio de un mundo que no recuerda, ya que sus recuerdos le han sido sustraídos. Y es que en ese futuro los recuerdos pueden ser almacenados en chip y ser transferidos a otro cuerpo, pudiendo, además, eliminar los malos recuerdos durante el proceso. Aunque el futuro sea lejano, lo primero que reconocemos en este futuro es algo que nos hace ver al ser humano como una especie fallida, y ese algo es que la abismal diferencia de clases entre ricos y pobres sigue existiendo. Así es. Por muchos miles o millones de años que hayan pasado desde nuestra época, en el mundo de Kaiba las diferencias sociales siguen existiendo y los ricos son los únicos que tienen acceso a esta forma de transferir sus recuerdos a otro cuerpo y así disfrutar del privilegio de tener una vida inmortal. Las únicas pistas que tiene el protagonista de su pasado son una fotografía de una chica, un extraño tatuaje en su tripa y un agujero en la parte donde debería estar su corazón. Es así como comienza su fascinante viaje.

En Kaiba nos encontramos con una animación que roza lo experimental, de estilo vanguardista, cuyos diseños de personajes recuerdan poderosamente a los dibujos clásicos de Disney y, consecuentemente, a los personajes de las obras infantiles de Osamu Tezuka. Pero a diferencia de Disney u obras infantiles de Tezuka como Astroboy o Kimba, el león blanco, Kaiba no tiene nada de infantil. La serie nos invita a la reflexión, planteándonos preguntas como "¿puede seguir siendo una persona la misma a pesar de tener un cuerpo totalmente diferente al anterior? ¿Son los recuerdos lo que hacen a la persona? ¿A mayor progreso científico y tecnológico, mayor es la deshumanización?", etc. Después de no enterarme prácticamente de nada de lo que sucedía en el primer episodio, decidí dejarme llevar  por lo que veía en pantalla y sumergirme en ese viaje psicotrópico que es Kaiba, y lo cierto es que me ventilé los doce capítulos que componen la serie en un solo día.

Kaiba es uno de esos animes que uno ve y mientras tanto piensa "nunca había visto nada igual". Es esa sensación de extrañeza, enfatizada por el estilo alternativo del dibujo, lo que puede hacer que muchos espectadores se echen atrás a la hora de continuar viendo la serie más allá del primer episodio, pero en mi caso fue lo que hizo que la devorara en tan sólo un día. Puede parecer que Kaiba me maravilló, pero lo cierto es que así fue hasta cierto punto. Decía al principio de esta reseña que este es uno de esos animes que muchos consideran como una serie que o la amas, o la odias, aunque, al igual que me sucede con otras series que según muchos sólo se pueden amar u odiar, a mí me ha parecido una serie muy buena, que no me ha encantado exageradamente pero tampoco me ha resultado aborrecible ni mucho menos.

Como decía, reconozco que Kaiba es un anime que se sale de cualquier tipo de convencionalismo, no es en absoluto típico, y los siete primeros capítulos apróximadamente me parecieron dignísimos. El problema es que a partir de ahí Yuasa decide prescindir de los personajes secundarios que aparecían en cada capítulo y encamina la trama hacia un final épico que desentona con el espíritu inicial de la serie; final que deja al espectador con un regusto amargo.

Técnicamente Kaiba no me parece una serie redonda. Visualmente es única, eso no lo duda nadie, pero el trabajo de montaje entre los planos que la componen me chirrió muchísimo. A veces, incluso prestando suma atención a lo que veía en pantalla, me costaba horrores enterarme de qué estaba sucediendo. Comprendo que esta forma en que está editada la serie es intencionada. Yuasa pretende que el espectador sienta que está ante un futuro lejano en el que cree aceptar por momentos lo aleatorio y el aparente sinsentido de todo lo que ven sus ojos; pero, a fin de cuentas, la mente humana no acepta lo aleatorio durante mucho tiempo y tiende a refugiarse en lo seguro. Si Kaiba hubiera sido una película de poco más de dos horas de duración me habría gustado muchísimo más, sobre todo si hubiese prescindido de ese final épico con superamenaza de por medio; pero un viaje psicotrópico como este durante más de tres horas me pareció algo excesivo. Aunque, todo sea dicho, la curiosidad por saber adónde iba a parar este viaje fue lo que me hizo verla prácticamente de una sentada. Películas como 2001: Una odisea del espacio (2001: A Space Odyssey, Stanley Kubrick, 1968), Mulholland Drive (David Lynch, 2001) o Enter the void (Gaspar Noé, 2009) también me sumergieron en un viaje onírico-psicotrópico, pero el trabajo de montaje es muy, muy superior al de Kaiba y no me sentí perdido, por lo que aunque no comprendiera de buenas a primeras lo que estaba sucediendo en pantalla disfruté enormemente de todas estas películas la primera vez que las vi. Además, pienso que son películas que no se exceden en su duración, por lo que me resultaron fáciles de digerir. Sin embargo, el montaje de Kaiba hizo que hacia el final de la serie, cuando llevaba superadas las tres horas de metraje total, el visionado de cada capítulo se me hiciese más pesado que el anterior, así que no puedo decir que Kaiba me ha parecido una serie maravillosa de principio a fin. Me ha parecido una serie maravillosa, sí; pero sólo hasta cierto punto. Aunque quizás la causa por la que cada capítulo de Kaiba me resultara más pesado que el anterior se deba al hecho de haberme visto la serie del tirón en lugar de hacerlo en pequeñas dosis. El caso es que cuando doy con un producto audiovisual tan sumamente atípico no puedo dejar de verlo hasta el final.

Kaiba no es un anime que recomendaría de buenas a primeras. De Yuasa prefiero otros de sus trabajos, como Kemonozume. Eso sí, al ser un anime único tanto argumentalmente como visualmente, no es un anime que se olvide fácilmente. ¿Lo volveré a ver en el futuro? Quién sabe. Es probable.

REVISIONADOS DE SERIES

Madoka Magica (Mahô Shôjo Madoka Magika, Akiyuki Shinbo, 2011)

La primera vez que vi Madoka Magica, hace pocos meses, resultó ser toda una sorpresa para mí. Visualmente me pareció una auténtica maravilla, y también me encantó la forma en que la historia comenzaba de forma típica, parecida a la de cualquier otra serie protagonizada por magical girls, para después, a los pocos capítulos, adquirir un tono más oscuro y comenzar a reinventar el subgénero de las magical girls mientras ahondaba en terrenos filosóficos. Al terminar el primer visionado, Madoka Magica se convirtió automáticamente en uno de los mejores animes que había visto en mucho tiempo, aunque lo que más me llamó la atención de aquel primer visionado fue su impecable apartado técnico.

Este último mes revisé Madoka Magica, y fue una experiencia de lo más grata. Revisar este anime ha sido una auténtica delicia. Volví a deleitarme con cada uno de sus fascinantes planos, y pude apreciar mejor el mensaje que transmite sobre las leyes de causa y efecto que rigen el universo, así como el modo en que trata conceptos como la felicidad, entre otras cosas. He disfrutado tantísimo de este segundo y último visionado de Madoka Magica que la serie ha pasado a ser uno de mis tres animes favoritos (si os preguntáis cuáles son los otros dos, estos son Paranoia Agent, de Satoshi Kon, y Monster, adaptación al anime del excelente manga de Naoki Urasawa).

Volveré a ver Madoka Magica, de eso no me quepa ninguna duda, y sé que la volveré a disfrutar como nunca como la obra maestra que es. Sin duda, una obra de arte de imprescindible visionado que ha de verse al menos una segunda vez para poder apreciarla en toda su magnitud. Magistral.

Lecturas y visionados de Enero de 2017

LOS CÓMICS QUE HE LEÍDO

Tomie (Itō Junji kessaku-shū 1 Tomie 1 + Itō Junji kessaku-shū 2 Tomie 2, Junji Ito)

La obra con la que Junji Ito forjó su carrera como mangaka profesional. En Tomie asistimos a una sucesión de historias cortas autoconclusivas que sólo tienen un nexo en común: la presencia de una joven de gran belleza llamada Tomie, quien posee el poder de multiplicarse en una o más Tomies partiendo de miembros y partes de su cuerpo que le han sido amputadas. Al principio me sentía horrorizado leyendo este manga, pero llega un punto en el que tras ver tantas salvajadas e idas de pinzas del autor comencé a tomarme todo lo que leía a cachondeo, por lo que seguía leyendo con muchas ganas sólo para ver qué nueva ida de pinza protagonizada por Tomie se le había ocurrido a Junji Ito. En cierta forma, Tomie, más que un manga de terror, me pareció una comedia de terror similar a las películas de los años 80 que mezclaban terror y comedia, como Terroríficamente muertos (Evil Dead II, Sam Raimi, 1987); eso sí, una comedia de terror de lo más perturbadora, cabe añadir.

El muerto enfermo de amor (Itō Junji kessaku-shū 4 Shibito no Koiwazurai, Junji Ito)

El muerto enfermo de amor es uno de los títulos de Junji Ito con mejor ambientación. Si pudiera resumirlo en una sola palabra, esa sería "niebla". La niebla que aparece cubriendo la pequeña ciudad en la que se ambienta este manga es tan sumamente densa que no tiene nada que envidiar a la niebla del videojuego Silent Hill. En El muerto enfermo de amor nos encontramos una historia que mezcla leyendas urbanas japonesas e investigación, y en la que Junji Ito, a diferencia de otras obras suyas, se muestra en cierto modo contenido. Al menos hasta el final, en el cual nos ofrece algunos de los momentos más demenciales y excesivos que ha dibujado. El muerto enfermo de amor no está entre mis mangas favoritos de Junji Ito, pero he de reconocer que a nivel narrativo y artístico es puro arte. Sin duda, uno de los títulos más trabajados de Ito.

Hellstar Remina (Jigokusei Remina, Junji Ito)

En Hellstar Remina Junji Ito mezcla con suma maestría terror y ciencia ficción, algo similar a lo que sucede en películas como La cosa (The Thing, John Carpenter, 1982), o Alien, el octavo pasajero (Alien, Ridley Scott, 1979). Como en las mejores obras de ciencia ficción, Hellstar Remina no está exenta de crítica social, y es ese aspecto de la obra lo que me resultó más interesante. Es curioso ver cómo Ito nos muestra en Hellstar Remina una sociedad futurista, que parece haber alcanzado el culmen del progreso, pero luego nos desvela que en realidad la raza humana sigue igual de podrida que en épocas pasadas. Podemos resumir Hellstar Remina en dos palabras: "terror cósmico", un tipo de terror que tiene en el famoso escritor Howard Phillips Lovecraft su mejor representante. Sin duda, Lovecraft influyó a multitud de posteriores escritores, cineastas y artistas en general especializados en el género de terror, y Junji Ito no es ninguna excepción. Y qué mejor ejemplo de ello que esta obra.

Frankenstein (Itō Junji kessaku-shū 10 Frankenstein, Junji Ito)

Me habían dicho que esta era la mejor adaptación que se había hecho del personaje de Frankenstein, y cuando me lo dijeron pensé que quien me lo decía exageraba; pero no, en absoluto. Frankenstein de Junji Ito es, claramente, de los mejores mangas que he leído en mi vida. Una sorpresa inmensa. Ahora que quizás no esté siendo muy imparcial, ya que, como podréis comprobar entrando en el ciclo de cine clásico de terror de este blog, soy muy, muy fan del cine clásico de terror en general y de monstruos como Frankenstein en particular. La versión que nos ofrece Junji Ito del moderno Prometeo mezcla lo mejor de la novela original de Mary Shelley y lo mejor de las películas de la Universal y de la Hammer. 

La sensación que tuve leyendo Frankenstein era como la que tenía leyendo otros títulos de Junji Ito pero al mismo tiempo no. Me explico. Cuando uno piensa en Junji Ito automáticamente piensa en esas chicas delgadas y con el pelo liso, que parecen muñequitas de porcelana, o en esas viñetas que hacen que nos estremezcamos porque aluden a los miedos de nuestro subconsciente. En su lugar, en este manga la historia no está ambientada en diversas localizaciones de Japón, sino en países Europeos como Suiza y Alemania, y también tenemos a personajes que parecen salidos de películas de terror gótico, un tipo de terror que no tiene nada que ver con el modo en que los japoneses entienden el terror, ya que estos lo entienden de una forma más espiritual, sin gore y sin monstruos como Drácula, Jason Voorhees, etc. Aun así, el toque que caracteriza a los mangas de Junji Ito, la esencia de los mangas de este autor, está bien presente en esta obra de principio a fin. A la magnífica ambientación y a los personajes perfectamente definidos se les suma esa metáfora sobre cómo el ser humano juega a ser Dios creando un ser vivo al que luego abandona a su suerte, convirtiendo a dicho ser vivo en poco más que una criatura desamparada cuya existencia está destinada a estar llena de sufrimiento. 

Frankenstein, de Junji Ito, es una obra maestra. Recomendadísimo. Leedlo.

El diario gatuno de Junji Ito: Yon y Mû (Itou Junji no Neko Nikki: Yon & Mû, Junji Ito)

El diario gatuno de Junji Ito es, sin duda alguna, el título de Junji Ito menos Junji Ito. Y es que esta obra, lejos de ser de terror, como la inmensa mayoría de mangas de Ito, mezcla costumbrismo y humor, aunque, todo sea dicho, sus pizcas de terror también tiene. Junji Ito nos ofrece aquí una obra muy personal, en la que nos muestra cómo es su día a día en compañía de su mujer y, por supuesto, de sus dos gatos, Yon y Mû, los auténticos protagonistas de este manga. Un extra de lo más curioso dentro de la bibliografía de Junji Ito en el que se nos muestra tanto el lado positivo como el lado negativo de tener un gato como mascota.

Relatos terroríficos (Itō Junji kessaku-shū, Junji Ito)

Recopilación de historias cortas autoconclusivas de Junji Ito a cargo de la editorial ECC Ediciones. En varias entrevistas Junji Ito afirmaba que él se inspiraba en sucesos cotidianos para realizar sus historias, y en esta antología de relatos terroríficos podemos ver multitud de situaciones del día a día o que a muchos de nosotros nos resultarán familiares que derivan en situaciones terroríficas. Es ahí donde Junji Ito dio con la clave para hacer buenas historias de terror en los tiempos que corren. Y es que a día de hoy, a nadie le asusta ver seres sobrenaturales ni toneladas de gore, ni mucho menos monstruos como Drácula; hoy en día el verdadero terror (terror, no sustos) reside precisamente en lo cotidiano, en lo que tememos de nuestro día a día, en ese futuro incierto que nos depara la vida y en las cosas extrañas e inquietantes que vemos a diario e intentamos eludir.

Voces en la oscuridad (Yami no Koe + Shin Yami no Koe ~ Kaidan, Junji Ito)

Lo mismo que Relatos terroríficos. Una recopilación de historias autoconclusivas del maestro del terror japonés, esta vez a cargo de la editorial Tomodomo. Como está escrito en la solapa de la sobrecubierta del primer tomo, "en el terror se esconde la miseria humana, lo ridículo de nuestra existencia. Lo truculento, lo absurdo y lo surrealista se dan cita en esta serie de relatos". De entre todos estos relatos destacaría Glicérido, el cual cuenta con una de las atmósferas más agobiantes y desagradables que he visto en las páginas de un cómic.

LAS PELÍCULAS QUE HE VISTO

Elle (Paul Verhoeven, 2016)

Elle comienza con una violación. El comportamiento de la víctima tras ser violada es extraño, su rostro refleja una mezcla de frustración, resignación y pasividad, como si estuviera acostumbradísima al odio de sus semejantes tanto en el ambiente laboral como familiar. Y así es. Elle no es una película fácil de ver, por lo que cumple su objetivo de incomodar al espectador y, al mismo tiempo, transmitir un mensaje que, al menos en este primer visionado, no he conseguido captar del todo, aunque sí pude dilucidar la forma en que Verhoeven juzga la hipocresía de la clase media-alta, así como la pasmosa facilidad con la que muchos de nosotros juzgamos a los demás. Podríamos considerar a Elle como la película de Verhoeven (director de clásicos modernos como Robocop, Desafío total o Starship Troopers) menos Verhoeven. De hecho, esta película me recordó por por su estética y por su cinismo a las de Michael Haneke. He de decir que el visionado de la segunda mitad del film se me hizo bastante cuesta arriba, y no fueron pocas las veces que hice alguna pausa que otra durante su visionado. Quizás la vi el día inadecuado, con el estado de ánimo incorrecto. Eso sí, soberbia la interpretación de Isabelle Huppert. Es el principal punto fuerte del film. El personaje al que interpreta, llamado Michèle, en lugar de causar simpatía o pena, hace que el espectador se sienta incómodo ante ella, que piense que algo no funciona muy bien en su cabeza. O quizás sí. Quizás Michèle sea el único personaje justo en toda la película. El caso es que el espectador, movido por la curiosidad y por el morbo de querer comprender mejor a Michèle, no se separa de ella hasta el final (tampoco es que Verhoeven nos lo ponga fácil, puesto que centra la acción dramática en torno a Michèle en todo momento). Michèle es una mujer fría como un témpano. Y así me dejó la película. Bastante frío y, por qué no decirlo, bastante aburrido también. Aun así, me pareció una película más que decente, y objetivamente hablando no me pareció, ni de lejos, mediocre. ¿La volveré a ver? Posiblemente, ya que no he podido olvidarla fácilmente. Será por algo, escenas turbias y el personaje de Michèle aparte, como el hecho de que tras todo lo que aparece en pantalla se encuentra todo un autor como Verhoeven.

La centinela (The Sentinel, Michael Winner, 1977)

Un conocido me recomendó esta película calificándola como una de las más desagradables que había visto en su vida, y hacia el final de la película, en una de las escenas finales, me di cuenta de por qué me dijo eso, aunque más que miedo o desagrado yo lo que sentí fue lástima; lástima porque el director, Michael Winner, en lugar de usar técnicas de maquillaje (que por entonces estaban ya muy, muy avanzadas) optó por meter en dicha escena a gente con deformaciones físicas reales. Lejos de sentir miedo, yo sentía pena viendo a esas pobres personas caminando delante de la cámara alrededor de la aterrorizada protagonista. La centinela es una de esas muchas películas que surgieron a raíz del éxito que tuvo en 1973 El exorcista (The Exorcist, William Friedkin), en las cuales el terror tenía mucho que ver con la Iglesia Católica y el Demonio. Y he de decir que La centinela me pareció un film entretenido. De todos modos, ya sabía que iba a ser como mínimo un film entretenido en el momento en que apareció el logo de la Universal de finales de la década de los 70 y principios de los 80. Hasta la fecha, ninguna película que he visto con el logo de la Universal de aquellos años me ha aburrido, y así seguirá siendo hasta nuevo aviso. Una de las cosas que más me llamaron la atención de esta película fue el reparto, que mezcla grandes actores de la vieja escuela, como John Carradine, Eli Wallach y Ava Gardner, con actores que estaban apunto de triunfar en el mundo del cine, como Christopher Walken o Jeff Goldblum. Lo más curioso de La centinela es que a pesar de ser una película producida por uno de los grandes estudios cinematográficos tiene un aire a peli de terror de serie B riquísimo para los amantes de ese tipo de cine, entre los que servidor se incluye. Creo que lo que nunca olvidaré de esta película, perfecta para pasar el rato sin más, es el bigotillo del personaje de Chris Sarandon. Por Dios, ¡es hilarante!

Silencio (Silence, Martin Scorsese, 2016)

No podía faltar a la cita en el cine de una película de Martin Scorsese, uno de mis directores favoritos. Está clarísimo que Silencio no es, ni de lejos, Taxi Driver, una de mis diez películas favoritas, ni tampoco tiene nada que ver con las últimas películas del director, como Shutter Island, La invención de Hugo (Hugo) o El lobo de Wall Street (The Wolf of Wall Street). Silencio está más cerca de otras películas de Scorsese como La última tentación de Cristo (The Last Temptation of Christ) o Kundun, formando junto con estos dos títulos una especie de trilogía sobre la religión y la fe. A pesar de que la temática inicial me llamara poderosamente la atención (sólo hay que ver aquello a lo que me dedico para ver que no es ningún secreto lo mucho que me gusta Japón y su historia), he de decir que la película me dejó bastante indiferente. En parte esto se debe a que no soy una persona que cree en la religión católica, aunque, si uno se para a pensarlo, tampoco hace falta ser creyente, ya que Silencio trata sobre la fe de aquellos que son obligados a dejar de lado sus creencias en el Japón feudal y, siendo justos, hay que verla desde un punto de vista objetivo, aunque cueste. 

Creo que la película me dejó bastante indiferente por dos razones principalmente. Por un lado, en ningún momento tuve la sensación de que la acción dramática transcurriese en Japón. Esto no lo digo por el hecho de que la película no fuese filmada allí, ya que otras películas, como Enter the void (Gaspar Noé, 2009), fueron filmadas en otras partes del mundo y viéndolas me sentí como si hubiesen sido filmadas realmente en suelo japonés. El hecho de que tantos personajes japoneses, tanto de clase baja como de clase media, hablaran en inglés tampoco ayudaba a sentirme como si estuviese viendo una película ambientada en el Japón feudal. Dicho de otro modo, veía que la acción transcurría en Japón, pero no me podía olvidar del escenario donde se desarrollaba la acción, que no era Japón, sino Taiwán. Por otro lado, el reparto, Liam Neeson aparte, me chirrió. Andrew Garfield me parece un actor demasiado joven para interpretar al personaje que le fue asignado, y el maquillaje que le ponían para que aparentase más años a sus espaldas tampoco ayudaba... Y en cuanto a Adam Driver... Lo siento, pero cada vez que le veía no podía dejar de pensar en Kylo Ren, el villano al que interpretaba en el episodio VII de Star Wars y gracias al cual dio el salto al estrellato.

Silencio es un claro ejemplo de algo que suelo decir: a Scorsese cuando le sacan de sus malas calles se pierde. De todos modos, no estoy siendo muy imparcial en esta reseña. Esta es una película de Scorsese muy personal para el director (es más, llevaba décadas intentando adaptar la novela original de Shusaku Endo que adapta este film). El problema es que Silencio me parece una película demasiado personal. Tampoco me parece mal que Scorsese exprese su visión de la fe católica (por todos es sabido que antes de cineasta apunto estuvo de meterse a cura); pero el problema es que de tan personal que es esa visión, aquí Scorsese parece que a la hora de expresarse se olvida del espectador, y por eso a mí, como espectador, Silencio me parece una película pasable tirando a buena. Quizás el hecho de que el film toque una parte relevante de la historia de la relación entre Japón y Occidente hace que a fin de cuentas Silencio me parezca una película más que pasable. No me parece una mala película, pero sí una película olvidable. Cuando recuerde la filmografía de Scorsese, plagada de obras maestras, dudo que recuerde Silencio de buenas a primeras.

Viaje a Agartha (Hoshi o Ou Kodomo, Makoto Shinkai, 2011)

De todas las películas que he visto este mes, esta es la que menos me ha gustado. De Makoto Shinkai tan sólo había visto 5 Centímetros por Segundo (Byôsoku go Senchimêtoru), un film de una hora de duración compuesto por tres episodios autonclusivos. Visualmente, 5 Centímetros por Segundo me pareció una auténtica delicia, aunque el guión no fuese nada del otro mundo ni mucho menos... Viaje a Agartha es agradable de ver en sus primeros minutos de metraje, pero a cada minuto que pasa la película se vuelve más y más aburrida. En Viaje a Agartha Makoto Shinkai parece querer ser Hayao Miyazaki pero no lo consigue, quedándose en un intento; pero el problema es que no deja de intentarlo durante toda la película. Numerosas escenas recuerdan a varias películas de Miyazaki, en especial a Nausicaä del Valle del Viento (Kaze no Tani no Naushika) y El castillo en el cielo (Tenkū no Shiro Rapyuta). De hecho, uno de los personajes que persiguen a la protagonista de esta película se parece muchísimo físicamente a Muska, de El castillo en el cielo. Viaje a Agartha es una película aburrida, mucho, en la que Shinkai da palos de ciego intentando ser Miyazaki, y dudo que la vuelva a ver, ya que antes que volver a verla prefiero revisar por enésima vez los citados films del maestro Miyazaki. Aun así, aún tengo pendientes por ver otros títulos de Makoto Shinkai, como El jardín de las palabras (Kotonoha no Niwa) y Your Name (Kimi no na wa), de la cual me han hablado auténticas maravillas y muchos la califican sin dudar como una obra maestra. Espero que lo sea. 

Shin Godzilla (Shin Gojira, 2016)

Godzilla es Japón. Así de claro. Como decía James Rolfe, de Cinemassacre, uno puede tomar champán en América, pero mientras no lo haga en Francia, no estará tomando auténtico champán. Un ejemplo similar suelo poner yo con la comida japonesa. Si uno come ramen en un restaurante japonés en España, y luego va a Japón y toma ramen, lo más seguro es que le sepa diferente, sin los condimentos que le echan en España a este plato. Todo esto es aplicable a Godzilla. Por muchas películas protagonizadas por el rey de los monstruos que se hagan en Occidente, jamás van a saber conservar la auténtica esencia que sí tienen las películas japonesas de Godzilla. Una esencia 100% nipona. Y es que, repito, Godzilla es Japón. Es Japón en el sentido de que este personaje es todo un icono cultural en el país del sol naciente; por tanto, ¿quién mejor que los propios nipones a la hora de hacer una nueva película de este icono? 

Shin Godzilla funciona como reinicio de la franquicia a la par que como remake adaptado a la actualidad de la película original, Godzilla, Japón bajo el terror del monstruo (Gojira, Ishirô Honda). En Shin Godzilla nos encontramos algunas de las paranoias propias de su guionista y cocreador, Hideaki Anno, artífice del popular anime de culto Neon Genesis Evangelion, serie con la que esta película comparte más de un punto en común, como la banda sonora, muy similar a la de Evangelion, o la presencia de Godzilla como si este fuera uno de los ángeles de dicho anime. Si sumamos los minutos de las escenas en las que aparece Godzilla, el resultado no supera un tercio del total de minutos de metraje de la película; pero eso, lejos de ser un inconveniente, es un acierto, ya que así las escenas en las que Godzilla entra en escena resultan más impactantes que si estuviera apareciendo continuamente. Podríamos resumir la película en una sola frase: Godzilla Vs. Burocracia japonesa. La mejor película que he visto este mes, sin duda. Una lástima que su distribución en cines en España haya sido tan limitada. Pero bueno, es comprensible, no es una película hecha para todo el mundo. Demasiado japonesa para el paladar del público casual.

La tortuga roja (La tortue rouge, Michael Dudok de Wit, 2016)

Paz. Eso es lo que sentí viendo esta obra minimalista y de una calidad más que notable realizada con sumo mimo por Michael Dudok de Wit, un director que respeta el arte y que en este, su primer largometraje, ha demostrado poseer una gran sensibilidad. Viendo esta película me sentía como el naúfrago protagonista, como si hubiera sido transportado a un lugar aislado del resto del mundo. Esa es la magia de esta obra de arte. En La tortuga roja se mezcla lo real con lo onírico a través de escenas de gran simbolismo, las cuales tratan sobre la vida y la relación del hombre con la naturaleza. La tortuga roja es una auténtica delicatessen cinematográfica que ha de ser vista en el estado de ánimo correcto, y que a buen seguro se quedará en el poso de la mente del espectador desarrollándose a mejor. 

LAS SERIES QUE HE VISTO

Ginga Nagareboshi Gin (Tomoharu Katsumata, Nobutaka Nishizawa, 1986)

Supe de la existencia de este anime a raíz de un listado en la web Mision Tokyo en el que se comentaban brevemente los 10 mejores mangas inéditos de la Shônen Jump del siglo XX. El hecho de que este manga fuese más popular en países del norte de Europa  que Dragon Ball en España, sumado a que reconocidos mangakas como Takeshi Obata lo consideran como uno de sus mangas favoritos, hizo que me llamara poderosamente la atención. Desgraciadamente, a estas alturas ver un manga de estas características publicado en España es algo totalmente inviable, por lo que vi la adaptación a anime subtitulada en español por un fansub. Ginga Nagareboshi Gin es una serie hija de su tiempo, superochentera, con todos los tópicos del Shônen manga de los años 80. Hombres muy hombres (que aquí son sustituidos por perros), un protagonista que tiene un objetivo en mente y que, como sucede en todos los Shônen, termina cumpliéndolo gracias a su esfuerzo, valentía y perseverancia, además de su insólita facilidad a la hora de aprender técnicas secretas. Por supuesto tampoco faltan el compañerismo, el padre desaparecido del prota (con el que, por supuesto, se termina reencontrando), un enemigo prácticamente imbatible en forma de oso que quiere crear un imperio en las montañas y, faltaría más, las manly tears. Resumiendo, Ginga Nagareboshi Gin es como Hokuto no Ken pero con perros. Un anime que da lo que promete y que cuenta con todos los tópicos del Shônen manga de los años 80 habidos y por haber; tópicos que o los coges o los dejas. Eso sí, los seis primeros capítulos de la serie son oro y se desmarcan por completo del resto. No es un anime que recomendaría a cualquiera, pero los seis primeros episodios me parecen realmente buenos.

Panty & Stocking with Garterbelt (Hiroyuki Imaishi, 2010)

Panty & Stocking es arte en estado puro. A cargo de animadores del estudio GAINAX con mucha experiencia a sus espaldas, Panty & Stocking es un anime único en su especie. Tiene la estética de Las Supernenas (The Powerpuff Girls), la irreverencia de series como El show de Ren y Stimpy (The Ren & Stimpy Show) y los convencionalismos del anime japonés más loco. Y eso es Panty & Stocking, un cóctel explosivo que da lugar a una de las locuras audiovisuales más disfrutables que he visto en pantalla. Personajes con mucho carisma, referencias a la cultura pop que van más allá del simple chiste referencial y una banda sonora plagada de temas pegadizos hacen de Panty & Stocking un anime sencillamente genial.

Tezuka Comics

Teniendo en cuenta que El blog de Mustangcillo es mi blog personal, no está de más que hable aquí sobre mi tienda. La idea de abrir una librería especializada rondaba en mi cabeza desde mis años de adolescente. Finalmente, en Octubre de 2015 pude cumplir mi sueño.

Tezuka Comics es una tienda de cómics madrileña especializada en manga y cultura japonesa, independiente y de ambiente acogedor.

El objetivo principal de Tezuka Comics es caracterizarse por un trato atento, cercano y respetuoso, ya que no nos limitamos a vender artículos sin más, también queremos que todos aquellos que nos visiten se sientan agusto en nuestro local, puesto que nuestro establecimiento es también un pequeño templo del ocio y la cultura que sirve de lugar de encuentro a todos los aficionados al cómic de Madrid y alrededores.

Situados en pleno barrio de Chamberí, el local se caracteriza por su ambiente acogedor, cómodo, luminoso, limpio y aseado, así como por su mobiliario hecho a medida.

Nos apasiona el cómic y somos coleccionistas, por lo que tratamos todo nuestro stock con sumo mimo. Además, nos encanta asesorar y orientar a todos aquellos clientes que acudan a nosotros en busca de recomendaciones.

Y es que pocas cosas nos causan tanta satisfacción como el hecho de transmitir a otras personas nuestra pasión por el arte de la historieta.

Estamos en la calle Meléndez Valdés número 9 esquina con Galileo, muy cerca de la estación de Quevedo (línea 2, salida Arapiles).

¡Sed todos bienvenidos!

- ACTUALIZADO A JUNIO DE 2017 -

JoJo's Bizarre Adventure (Phantom Blood / Battle Tendency)

En esta entrada me voy a centrar en comentar la primera temporada del anime de JoJo's Bizarre Adventure. Todavía no he leído el manga, ya que aún no está licenciado en España y leer scans por Internet es algo que no me gusta mucho e intento evitar en la medida de lo posible. Como dijo Stan Lee: "los comics son como las tetas, se ven grandiosas en una pantalla, pero preferiría tener unas en mis manos". Esperemos que alguna editorial se anime y licencie este manga de una vez, ya que con sólo observar algunas de sus páginas se puede comprobar que es claramente superior a su adaptación al anime.

Esta primera temporada está dividida en dos partes, de nueve capítulos la primera y de diecisiete la segunda, que adaptan las dos primeras sagas del manga, Phantom Blood y Battle Tendency, respectivamente. La primera parte, protagonizada por Jonathan Joestar y ambientada en el Londres victoriano de finales del siglo XIX, se centra en la enemistad entre Jonathan y el malvado Dio Brando, quien tras ponerse una máscara de piedra se convierte en un vampiro ultrapoderoso. La segunda parte, ambientada poco antes del comienzo de la II Guerra Mundial, está protagonizada por el nieto de Jonathan, Joseph Joestar, un joven granuja que se ve inmerso en una gran aventura que le llevará a Europa y a otras partes del mundo, averiguando en su periplo datos sobre el origen de la máscara de piedra.

JoJo's Bizarre Adventure comenzó a publicarse a mediados de los años 80 en la revista Shonen Jump y con motivo del vigésimo quinto aniversario del manga se realizó su tan esperada adaptación al anime. Es por eso que estamos ante un anime estrenado en el 2012 que, sin embargo, cuenta con un encanto que sólo podían tener las series niponas de la vieja escuela; un anime que es, como mínimo, curioso, protagonizado por hombres muy hombres sin mucha profundidad psicológica y que suelen justificar todo lo que les sucede aludiendo al destino. En este sentido JoJo's Bizarre Adventure recuerda a la mítica serie Hokuto no Ken, conocida en tierras españolas como El Puño de la Estrella del Norte. Del mismo modo que muchos consideran a One Piece la sucesora de Dragon Ball, no son pocas las personas que han dicho que JoJo es la sucesora de Hokuto no Ken. No estoy de acuerdo con esta afirmación. One Piece homenajea a Dragon Ball profesando siempre una gran admiración y respeto hacia la obra de Toriyama; JoJo, más que homenajear, parodia a Hokuto no Ken y a todas esas series de los 80 protagonizadas por hombres muy machos previas a la llegada de Dragon Ball.

Muchos de los elementos y rasgos distintivos por los que se caracterizaban series como Hokuto no Ken están presentes en JoJo; pero JoJo's Bizarre Adventure parodia estos rasgos exagerándolos al máximo, dando como resultado una de las series más épicas y raras que he visto. Yo soy una persona que con la cantidad de películas raras que he visto tiendo a pensar que ya estoy curado de espanto; pero esta serie tiene una capacidad inusitada para sorprender al espectador y en más de una ocasión logró dejarme perplejo ante algunas escenas por lo demenciales que eran. Los personajes están bastante estereotipados y son armarios empotrados que cada vez que sueltan una frase lapidaria lo hacen posando de forma ridícula para reafirmar lo que han dicho. En parte la serie le debe su fama a estas poses, y es que, ¿quién de los que han visto este anime o leído el manga no ha intentado imitar alguna de esas poses tan absurdas e imposibles? La serie tiene un tono exagerado hasta decir basta, con onomatopeyas que aparecen en pantalla para aumentar la epicidad de algunos momentos, y tiende a la teatralidad. Incluso hay un narrador o personajes que hacen de narradores, como Speedwagon, quien está ahí básicamente para comentar todo lo que estamos viendo emocionándose él solito. Puede parecer que todo lo que estoy diciendo son defectos; pero no, al contrario. Precisamente son estas características las que hacen de JoJo's Bizarre Adventure una serie única y disfrutable, una serie con encanto. Además, ya sea por sus escenas violentas o sus personajes absolutos, ignora por completo la mojigatería y la maldita corrección política que impera en la industria del entretenimiento hoy en día, y eso es algo que me parece admirable.

Personalmente los defectos de esta serie los encuentro en el ritmo y en la animación, así como en algunos temas musicales. El ritmo narrativo es demasiado frenético para mi gusto, con planos de poquísimos segundos de duración sucediéndose uno tras otro sin dar apenas respiro al espectador, y, si a eso se le suma el hecho de que hay que estar leyendo subtítulos, a veces me sentía confuso y no me enteraba de nada. Respecto a la calidad de animación, he de decir que en algunos capítulos es bastante buena, sobre todo en los últimos episodios de cada saga; pero en otros es correcta, sin más. Ahora que, claro, también hay que tener en cuenta que la compañía que realizó este anime era relativamente nueva y no contaba con un presupuesto desorbitado. De todos modos, una cosa hay que reconocerle a este anime: el uso de los colores es una auténtica delicia. Hay escenas en las que aparecen en pantalla tantas lucecitas de colores que uno tiene la sensación de estar viendo un viaje de ácido. Y he aquí uno de los principales puntos fuertes del anime respecto al manga. Su uso de los colores en varias escenas enfatiza la virilidad de algunos personajes y contribuye a crear un ambiente delirante que parece glorificar el orgullo gay más floripondio. Otro aspecto que no me gustó de este anime es la banda sonora. Pienso que la serie hubiese molado mucho más si en lugar de dubstep hubiesen sonado temas de rock que hiciesen honor a los nombres de algunos de los personajes, nombres que aluden a bandas musicales famosas (Straights a Dire Straits o Zeppeli a Led Zeppelin son claros ejemplos de ello). Pienso que el dubstep no pega ni con cola en un anime que adapta un manga de más de veinte años de antigüedad, pero bueno, al menos los temas de dubstep que se escuchan no llegan a ser insoportables.

En fin, JoJo's Bizarre Adventure es una serie a la que le tenía muchas ganas, y la verdad es que, aun con sus más y sus menos, no me ha defraudado y me he quedado con ganas de más. Teniendo en cuenta que ya ha finalizado la segunda temporada, la cual adapta la tercera y más popular saga del manga, Stardust Crusaders, sólo es cuestión de tiempo que me ponga a verla.

Vivir en el camino del infierno

"Te transporta a otro tiempo y a un país extraño, terrorífico, devastado y gris. Koike y Kojima narran e ilustran con maestría el retrato de un hombre, un niño y un país en su camino al infierno".

(Frank Miller)

Cuando me preguntan cuáles son mis cómics favoritos, El lobo solitario y su cachorro (Kozure Okami en el original japonés) es uno de esos títulos que aparecen en mi mente automáticamente. Recientemente he releído este clásico del manga de samuráis escrito por Kazuo Koike e ilustrado por Goseki Kojima, y he de afirmar una vez más y sin ninguna duda que estamos ante una obra maestra indiscutible, una auténtica obra de arte que todo buen aficionado al cómic debería leer al menos una vez en la vida.

Ambientada en el Japón feudal, la historia, que se extiende a lo largo de veinte tomos que en conjunto superan las ocho mil quinientas páginas, gira en torno a la vendetta personal del ronin Itto Ogami y de su hijo Daigoro contra el clan de los Yagyu liderado por Retsudo, un anciano de lo más temible que ocasionó la caída en desgracia del clan Ogami. Itto Ogami era el albacea oficial del shogun (el encargado de decapitar a los miembros de la alta nobleza que se hacían el harakiri), un puesto con el que los Yagyu querían hacerse a toda costa para así tener más poder en el gobierno. Para ello, los Yagyu asesinaron a toda la familia de Itto, a excepción de su hijo recién nacido, y acusaron falsamente a Itto de conspirar contra el shogun, motivo por el que Itto se vio obligado a abandonar la capital del país y emprender junto a su hijo el camino del infierno. Convertido en ronin, Itto vaga por el país trabajando como sicario para poder llevar a cabo su anhelo de vengarse de Retsudo Yagyu y su clan.

Podríamos dividir la serie en dos mitades. Durante la primera mitad la acción dramática tiene lugar en distintas localizaciones de Japón, y asistimos a una sucesión de historias de tono autoconclusivo en las que vemos cómo Itto ejerce de sicario recorriendo en compañía de su hijo todo el país. Koike y Kojima se sirven de los encargos que Itto realiza para hacer una radiografía del Japón feudal, mostrando un retrato costumbrista de la sociedad de aquella época. En la segunda mitad del manga la acción tiene lugar en Edo, la capital del país, y es entonces cuando la historia, que ya desde los primeros tomos resulta fascinante, engancha al lector hasta el punto de que este quiere leer más y más, sobre todo a partir del momento en que entra en escena el catador oficial del shogun, Tadomo Abe "el feo", un personaje de lo más mezquino y desagradable, pero entrañable también.

En El lobo solitario y su cachorro se ensalza la figura del samurái. Esto era algo por lo que se caracterizaban los chanbara japoneses o películas de samuráis de la época en que este manga fue publicado, a principios de los 70. De todos modos, en El lobo solitario y su cachorro se ensalza solamente al personaje protagonista y a unos pocos personajes más como ejemplos de lo que es un auténtico samurái, ya que también nos encontramos con muchos otros samuráis que actúan movidos por la codicia o por sus propios intereses y que de samuráis que siguen el código del bushido tienen bien poco. Puede que muchos consideren un defecto el hecho de que Itto Ogami maneje la katana de forma prodigiosa o que sea prácticamente invencible; pero, como decía antes, hay que tener en cuenta que este manga se construye sobre los rasgos por los que se caracteriza el chanbara o cine de samuráis. Además, eso no impide que los personajes, aunque en un principio puedan parecer tópicos (sin ir más lejos, el samurái deshonrado que busca venganza), cuenten con una profundidad apabullante.

El estilo de dibujo de Goseki Kojima lo describiría como una especie de lienzo casi hiperrealista. Kojima era fan absoluto del director de cine Akira Kurosawa, y eso se nota en cada una de las viñetas que dibuja, que parecen fotogramas de las películas de este grandioso director, aunque he de añadir que también tienen algo de otros grandes directores cinematográficos japoneses de los años 50 y 60, como Masaki Kobayashi y Kenji Mizoguchi. La narrativa entre viñeta y viñeta es soberbia, digna del mejor Tezuka, y la ambientación también es excelente. El silencio juega un papel importante en este manga, ya que los diálogos y textos explicativos sólo aparecen cuando es necesario. Es en esas viñetas donde no hay ni rastro de texto cuando el lector es transportado al Japón feudal que nos muestra este manga y se puede imaginar perfectamente el ulular del viento, el crepitar de las olas, el canto de los pájaros o el chasquido de las katanas al chocar.

La influencia de El lobo solitario y su cachorro en el arte de la historieta es innegable. A muchos les sonará el tópico de que el manga, a diferencia del cómic americano, muestra más que cuenta; pero antes de la década de los 80 esa frase no era tan tópica. Probad a leer la inmensa mayoría de cómics americanos anteriores a los 80 y podréis comprobar que muchas viñetas estaban plagadas de textos. Incluso había viñetas en las que se narraba con todo lujo de detalles lo que el lector estaba viendo. Esto último era algo que no sucedía en el manga, que en esencia es un tipo de cómic más visual. Del mismo modo que cineastas estadounidenses revolucionaban la industria hollywoodiense incorporando a sus trabajos aspectos técnicos y formales de las películas japonesas de los años 50 y 60, a partir de los años 80 autores como Frank Miller revolucionaron la industria del cómic americano incorporando a sus trabajos elementos característicos de esta obra maestra realizada por Kazuo Koike y Goseki Kojima. Algunas de las obras que surgieron inspiradas por El lobo solitario y su cachorro fueron Usagi Yojimbo, de Stan Sakai, o la famosa etapa de Frank Miller en Daredevil, considerada por muchos como la mejor del personaje. Hoy en día el hecho de que se publiquen mangas en muchos países del mundo es algo de lo más normal, pero este fue el primer manga que traspasó las fronteras de su mercado natural y extendió su influencia hasta Occidente, convirtiéndose en una obra de culto.

En definitiva, estamos ante un título imprescindible. Uno de los mangas más importantes jamás publicados. Se podría colgar cada página en un museo para degustar el arte que contiene cada una.